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Originaire d’Ontario, Jeremy Price s’installe en 2008 à Montréal, désormais sujet de prédilection ses tableaux. Les objets de toutes sortes, les moments précieux passés avec ses proches ou encore ses escapades en nature sont également des sources d’inspiration pour l’artiste. Ce sont des moments fugaces qui sont illustrés, une manière pour Jeremy Price de figer le temps, nous incitant à nous arrêter, l’espace d’un instant, dans le tourbillon de nos vies effrénées.

Nous avons posé 5 questions à l’artiste pour apprendre à le connaître davantage, voici ce qu’il nous a répondu !

Quel artiste à la plus influencé ta pratique artistique ?

Je ne peux pas choisir un seul artiste ici, alors en voici 22 !

Au cours de ma vie, différents artistes m’ont influencé de différentes manières et à différents moments, alors je suppose que je vais commencer par le début…

En grandissant, j’ai été entouré par le travail de beaucoup d’artistes canadiens contemporains. Je devrais profiter de l’occasion pour remercier mes parents pour cela. Le travail de ces peintres tient définitivement une place importante dans mon cœur. Alex Colville, Jean-Paul Lemieux, Riopelle, Lawren Harris, Tom Thomson, Jack Chambers et Greg Curnoe sont les premiers qui me viennent à l’esprit. Ils ont tous eu une grande influence sur moi et sur mon opinion et ma compréhension de ce qu’était l’art. C’est pourquoi, aujourd’hui encore, j’ai un lien émotionnel très fort avec bon nombre de leurs peintures.

En fréquentant l’école des beaux-arts, je me suis intéressé au travail d’autres artistes, tels qu’Edvard Munch, Mark Rothko, Jackson Pollock, George Grosz, Francis Bacon et David Hockney. Un large éventail de styles et d’époques, mais chacun a eu une influence à sa manière.

Aujourd’hui, je prête beaucoup d’attention à l’art produit par les peintres contemporains.  Merci Instagram de m’avoir facilité la tâche, mais vraiment… Instagram est un endroit horrible pour regarder des peintures. Allez les voir en personne dès que vous en avez l’occasion. Parmi mes favoris présentement, il y a le travail d’Alex Kanevsky, Christian Hook, Jose Luis Cena, Jeremy Mann, Costa Dvorezky, Carlos San Millan, Tibor Nagy, Sebas Velasco et Mark Tennant

Voilà, 22 !

Pourquoi et à quel moment as-tu décidé de devenir un artiste professionnel ?

Tout a commencé il y a un peu plus de dix ans. À cette époque, je prenait beaucoup de photos… BEAUCOUP de photos… en faisant du vélo dans les rues de Montréal. J’avais toujours avec moi mon gros appareil photo reflex Nikon dans mon sac, et je faisais de gros efforts pour explorer et photographier différentes rues et différents quartiers. J’aimais la lumière du matin et je partais très tôt pour être au bon endroit au bon moment. J’aimais aussi prendre des photos de nuit et je sortais après la tombée de la nuit pour faire de même. J’avais beaucoup d’énergie à l’époque !

Bref, un jour, je suis tombée par hasard sur les peintures de Kim Cogan sur Internet, un peintre de San Francisco qui fait des peintures de paysages de rue étonnantes et qui me rappelaient beaucoup les photos que j’avais prises.

Je crois que je les ai trouvées sur le blog d’art Booooooom, basé à Vancouver.

La peinture était une activité que j’avais continué à pratiquer un peu partout après l’école des beaux-arts, mais je n’y avais jamais consacré beaucoup de temps ni d’efforts.

C’est donc avec un enthousiasme renouvelé et 6 petites toiles 16×20 que j’ai commencé à travailler sur un ensemble de paysages de rues de Montréal, et c’est là que tout a commencé. Je dois mentionner qu’à peu près à la même époque, je pensais aussi que j’allais apprendre à jouer de la guitare, mais j’ai vite senti qu’il était important de me concentrer sur une chose et d’y mettre toute mon énergie. Ce fut la fin de ma carrière de guitariste. Désolé Neil Young, bien essayé.

Que souhaites-tu que les gens retiennent de tes œuvres et de ton travail en tant qu’artiste en général ?

C’est une bonne question, et ce n’est pas une question que je me pose souvent.

Au cours des dix dernières années, mon travail a beaucoup changé et évolué, en termes de style, de sujet, et je pense qu’il est important qu’il continue à évoluer parce que l’art, s’il a un sens, est une extension de l’artiste, et nous, en tant que personnes, continuons à changer et à évoluer, ou du moins nous devrions le faire. La croissance est dans notre ADN.

Chaque peintre a ses inspirations et ce qui le pousse à peindre.

Pour moi, c’est ce qui m’entoure. Les gens, les lieux, la vie que je mène, les expériences que je vis, bonnes ou mauvaises, qui finiront par se retrouver dans mon travail. À bien des égards, ce n’est pas différent d’un journal ou d’un agenda.

Cela n’a pas commencé comme ça. Au début, j’étais vraiment concentré sur « l’apprentissage de la peinture » et le sujet était souvent secondaire. Je trouvais une scène ou un lieu que je trouvais attrayant et je peignais simplement cela. Je me concentrais davantage sur la façon d’obtenir les couleurs que je voulais, et sur la recherche d’un processus avec lequel je me sentais à l’aise. (Ce qui a aussi beaucoup évolué au fil des ans.) La peinture, comme tout est 10 % de capacité et 90 % de travail, et j’ai travaillé très dur pour m’y habituer.

J’apprends encore, chaque jour, ce qui est l’une des choses les plus étonnantes. Heureusement, il ne s’agit pas de la destination, mais du voyage, car la peinture n’est qu’un voyage, pas une destination.

Quelques années plus tard, mon approche du sujet et de la narration dans mon travail a commencé à changer. Ils sont devenus et continuent de devenir de plus en plus importants. Récemment, je pense que mon travail est devenu de plus en plus personnel. Je ne devrais peut-être pas dire « narratif » parce que pour moi, il ne s’agit pas vraiment de raconter une histoire, mais simplement de poser quelques questions, à la fois au spectateur et à moi-même. Évoquer une émotion, exprimer un sentiment, c’est une forme de communication.

Mon travail, individuellement et dans son ensemble, est un dialogue continu que j’entretiens avec le public, mais aussi avec moi-même.

Il y a quelques semaines, j’ai discuté de certaines choses autour d’une bière avec un ami, de sentiments, de défis, etc. Il m’a conseillé de simplement peindre. J’aime bien cette expression, et je suppose que c’est ce que j’ai fait tout ce temps. Simplement peindre.

As-tu un rituel particulier de création ?

Certainement ! Il y en a quelques uns…

Le premier concerne le processus – je travaille généralement en « série », ce qui signifie que j’ai quelques tableaux en cours en même temps. C’est parce que la peinture à l’huile prend du temps à sécher et bien que j’aime travailler mouillé sur mouillé, il ne peut pas être TROP mouillé, donc j’aime pouvoir les mettre de côté pour que la couche se « raffermisse » un peu avant de continuer. Elles évoluent toutes en série de couches. Les couches qui commencent par des gestes rapides et désordonnés se transforment en petits passages plus serrés et mieux contrôlés. Ce processus est toujours en évolution dans le temps, mais c’est comme ça que ça se passe en ce moment. Redemandez-le-moi dans quelques mois !

D’ailleurs, j’ai commencé à tenir un journal de peinture il y a quelques années, un petit carnet Moleskin avec différentes notes sur le processus, des idées de titres, qui a gagné le match de football… Vous savez des choses importantes. Tout a commencé parce que j’étais très intéressé par la documentation de mon processus, et j’ai donc noté toutes mes étapes pour chaque peinture que je faisais. Ce qu’il y avait dans la couche, comment je les ai ordonnées, comment je les ai appliquées. J’ai vite compris que le processus était une cible mouvante et qu’il devait le rester. Ce n’est pas quelque chose que l’on veut contraindre ou systématiser. Je trouve que peu importe ce que vous pensez que vous allez faire, les peintures finissent toujours par se peindre elles-mêmes à la fin.

J’écoute toujours de la musique pendant que je peins. J’ai une playlist d’environ 1000 chansons qui change constamment et qui est aussi éclectique que possible. Parfois, j’écoute un album en entier, ou un genre de musique particulier pendant un certain temps, mais je peins généralement pendant 3 ou 4 heures d’affilée, alors j’aime bien mélanger les genres musicaux.

Parfois je chante, parfois je danse. Toutefois, pas très bien…

La peinture est une activité incroyablement solitaire. La musique la rend un peu moins isolante.

Le dimanche soir, j’écoute toujours l’émission de radio de 4 heures de Strombo à la CBC. J’écoute cette émission depuis que j’ai commencé à peindre et j’ai découvert plusieurs nouveaux groupes de cette façon. C’est aussi un mélange extrêmement éclectique, donc ça colle parfaitement.

Mis à part la peinture, quel est ton passe-temps favoris ?

J’adore faire du vélo. J’adore ça! Malheureusement, à Montréal, ce n’est possible que 7 mois par an, mais ces 7 mois sont plutôt géniaux. J’habite le long du canal à Saint-Henri et la promenade le long de l’eau d’ici au centre-ville est probablement mon endroit préféré de toute la ville.

J’adore aussi voir des concerts, des grands festivals au parc Jean Drapeau jusqu’aux petites soirées open mic du dimanche au Bar de Courcelles. C’est génial de voir de la musique en direct. Assister à un concert est-il un passe-temps ? Peu importe, pourquoi pas !

J’ai récemment emprunté un clavier à mon oncle Richard et j’ai appris quelques chansons simples… J’espère que cela durera plus longtemps que la guitare.

J’ai aussi toujours aimé cuisiner et il y a quelques années, j’ai commencé à faire des conserves à l’automne. Des cornichons, de la sauce tomate, ce genre de choses.

L’été j’aime faire du BBQ… Donc il y a ça aussi.

Le vélo, la musique, la cuisine, les conserves… Attends, tu as dit ton passe-temps favori… Je n’arrive pas à me décider. Disons juste tout ça !

Pour découvrir les œuvres de Jeremy Price disponibles à la Galerie Bloom cliquez ici !

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